“El trabajo nos hará libres”? por F. Mayor Maestre

El trabajo nos hará libres? o no? Esa es la dicotomía que nos plantea Francisco Mayor Maestre en el título de su exposición en el Showroom Brita Prinz Arte.

No se queda uno impasible ante la obra de este joven artista que a sus 26 años, licenciado en Bellas Artes y Master en Grabado, es ya premio Nacional Jóvenes Creadores de la Calcografía Nacional con un magnífico grabado titulado “la busca”.
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Me estimula, una vez mas, la observación de la obra de Francisco. Ver como jóvenes artistas trabajan de forma concienzuda y dedicada.
Tuve la oportunidad de visitar la muestra y, en una segunda visita programada, conocerle personalmente. En una placentera conversación sobre sus intencionalidades y procesos pude descubrir algunos nuevos detalles que me ayudaron a acercarme un poco mas a la personalidad del que trabaja de forma infatigable explorando el lenguaje de la pintura con una sutileza y curiosidad artística que hacen de su obra un poemario cargado de vivencialidad y reflexividad.
Mayor Maestre trabaja sobre papél, le gusta explorar sus posibilidades y establecer una relación íntima y secuenciada con este soporte. Comienza sus obras originales sobre una gran superficie de papel, “escuchando la vibración de la celulosa” e interviniendo espontáneamente sobre su superficie para posteriormente acotar su obra final y aprovechar las salpicaduras y los márgenes para una nueva intervención. Crea así de esta manera un vínculo entre sus obras.
Grafito y óleo son sus preferidos y la alquimia del artista curioso le hace sumar a estos reconocibles clásicos una técnica con medium a base de resinas que fluidifican el oleo en su aplicación y le permite un fabuloso juego con veladuras y transparencias y a su vez, dilata los tiempos de secado aprovechando los estados “mordientes” del proceso para aplicar gratajes y frotajes de marchamo personal. Reconoce que esta técnica le ayuda a acercarse a lo figurativo a través de la abstracción.
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En sus rostros y motivos adivino referencias del maestro Rembrandt, quizás por su formación en el ámbito de la técnica del grabado. Sus personajes, como él me cuenta son a veces robados fotográficos de personas a las que él, a través de su poder creador, les dota de una nueva realidad, otra vida, otra nueva identidad. Transportandoles con cierta melancolía a otros contextos de la historia y la memoria.
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En sus obras, el perro escuálido con la planta de un galgo, de contable costillar, los pájaros, las mascotas… son recursos metafóricos cargados de crudeza y visceralidad y a su vez le proporcionan la sutilidad a sus construidos mensajes. Francisco Mayor planea sobre las teorías de la violencia sistémica de la sociedad actual. Lo que el pensador y filósofo esloveno Zizek denomina la violencia de cota cero. Una violencia instalada y aceptada en la sociedad contemporánea con una intensa historia marcada por las guerras y los intereses nacionales y nacionalistas. No olvidemos que el título dicotómico de su exposición, “El trabajo nos hará libres” responde a la leyenda que obraba en las puertas de los campos de concentración Nazis, (Arbeit macht frei, el trabajo os hará libres), remarcando en negrita el “no” y, tal vez de esa manera reclamando un cambio de signo y actitud a los gobernantes actuales del planeta.

Los grabados de este joven creador plástico nos invitan a una observación atenta que es premiada con la genialidad en los detalles a base de mancha de aguafuerte, punta seca y múltiples recursos de la técnica del grabado. Tras los motivos principales y a modo de lenguaje complementario aparecen grafismos de corte informalista que mas allá de estar descontestualizados, son eco de sensaciones y percepciones que el artista siente y percibe de forma instantánea durante la ejecución de la obra. Cruces que representan los pensamientos, lineas que se repiten a modo de conteo de los días empleados en su realización, los sonidos ambiente de las ambulancias y cláxones en el exterior de su estudio…aportan una dimensión extra a sus obras y cómo el artista indica son elementos anexos y espontáneos que ayudan a ordenar el caos y dotar de cierto misterio a sus realizaciones.
No quiero dejar pasar esta oportunidad para hacer una “loa” a la actitud de Francisco Mayor Maestre en la política de precios que aplica a su obra. Sus precios son absolutamente asequibles a todos los públicos.  El artista pretende, con responsabilidad, monetizar su trabajo con precios en el mismo orden de equilibrio que su amueblada cabeza y su savoir faire. Desde mi punto de vista, un interesante guiño a la mercantilización del Arte.
Tono Brotons.
Asociación Madrileña y Española de Críticos de Arte – AMCA/AECA)
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El retrato de Adolfo Best Maugard, de Diego Rivera, en Madrid.

Que placer produce la visualización atenta, consciente y aislada de una obra de arte. Esta fué la experiencia que volví a vivir visitando el Museo de la Fundación Lázaro Galdiano para ver de forma íntima y concreta la obra del retrato de Fito (Adolfo) Best Maugard, del artista mejicano Diego María Rivera, cedida temporalmente a la fundación por el INMA, Museo Nacional de Arte de México.

Es interesante entender que en entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, se produce una “democratización” y universalización del arte propiciada por la facilidad que tienen los artistas para viajar y relacionarse con otros artistas.
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El joven Rivera visita Europa

Diego Rivera, viaja a Madrid con tan solo 21 años donde tiene oportunidad de conocer las obras de Goya o el Greco e ingresa en el taller de Eduardo Chicharro, el que fuera uno de los mas significados retratistas de su momento en la capital española.
Posteriormente, en 1909 se traslada a París, donde toma contacto con el postimpresionismo de Cézanne que cierra el ciclo de la edad moderna de la pintura. Allí tiene la oportunidad de conocer a los pintores del Montparnaso, con las obras de Picasso, de Braque, De Delaunay, Mondrian, Modigliani, Chagall y el Cubismo, una de las primeras vanguardias del siglo pasado.
En esta etapa, el pintor Mexicano, conoce del manifiesto Futurista de Marinetti que precediera a un Novecento italiano en el que una nueva generación de artistas reaccionan contra las vanguardias con la intención de retornar a la belleza clásica del Renacimiento con unas nuevas señas de identidad marcadas por influencias filtradas de los futuristas, por la pintura metafísica de Giorgio De Chirico y el Cubismo. En 1919, Rivera, viaja a Italia y se relaciona con este movimiento y vive las obras del renacimiento.
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Un retrato a la modernidad

Todo lo expuesto es fácil de reconocer en este magnífico y espectacular óleo sobre un lienzo de 227,5×161,5 cm. de dimensiones, pintado en 1913, a los 27 años del artista y que se encuentra expuesto en el Museo Lázaro Galdiano hasta el próximo 18 de Junio.
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Los colores, propios de una paleta de Cézane, un paisaje urbano en el que se reconoce la estación de Montparnase donde el vapor de las locomotoras crean una organicidad de formas propias del cubismo y los trenes representados de forma facetada o secuenciada a base de repeticiones de pinceladas que nos hacen testigos del movimiento característico de los Futuristas.
La composición presenta la estilizada figura de este personaje, Fito Best, también artista y promotor de la cultura mejicana, ajustandose el guante en su mano derecha coincidiendo con el eje de una noria gigante, la mas grande del mundo hasta finales del siglo XX instalada en París con motivo de la exposición universal de 1900. En esencia, el artista enfatiza la pasión por la modernidad, la cultura y el arte, como si esa mano moviese los hilos de una nueva realidad. La integración de la figura y la noria parecen responder a una construcción áurea intencionada.

Sin duda una obra magnífica cargada de la elocuencia cronista de la que posteriormente, Diego Rivera, hará gala en sus fantásticos y reconocibles murales. Es la primera vez que esta obra se puede contemplar en nuestro país.

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El Novecento coincide en Madrid

No quiero dejar pasar esta oportunidad para hacer especial mención y recomendar, también, por alusión y conexiones, la visita de la exposición “El retorno a la belleza” que presenta la Fundación Mapfre hasta el próximo 4 de Abril. En esta muestra, obras de De Chirico, Carrá, Donghi, Morandi o Casorati, entre otros, nos transportan a esa intención de la “Vuelta al Orden” clásico, a la belleza con tintes de modernidad, de este movimiento del Novecento en periodo de entreguerras en Italia.

El Arte Urbano toma fuerza en esta semana de ARTE en Madrid

24 febrero, 2017 Deja un comentario

Queridos amigos,

Me complace compartir una vez mas las buenas vibraciones que me produce la relación con el Arte como espectador.

Esta es una semana de Arte en Madrid, ARCO, JustMad, ArtMadrid, Flecha y otros muchos eventos relacionados con el Arte configuran un escaparate conjunto para todos aquellos amantes del arte.

Este año, se suma a esta oferta, Urvanity, en su primera edición. Ellos se identifican como la única feria de Nuevo Arte Contemporáneo y en su manifiesto recalcan que no se trata de forma específica una feria de Arte Urbano y reivindican en su manifiesto, “propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad y, por ello, ofrecen un escenario donde explicar el mundo.”

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Este evento, presenta una oferta de artistas de clarísimo perfil “street artists”, por el lenguaje y técnica de las obras expuestas, salvando excepciones que se mueven mas dentro de lo que sería el Pop Art e incluso otros como la abstracción geométrica.

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Esta muestra, en su primera edición cuenta con la presencia de Banksy, de los mas relevantes y reconocidos nombres del Street Art de los 80. Un artista bien conocido por su trabajo con plantillas (stencils) para trabajos con en marcado carácter crítico y satírico con la cultura y la política no sin ello con una carga de romanticismo que invita a cambios de conducta social.

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Interesante y fresca la propuesta de las galerías participantes que provienen de Bélgica, Alemania, Inglaterra o Suiza entre otros países. Ideal para acercar a los mas pequeños y jóvenes a la esfera del arte con esta selección de obras cargadas de expresión, color y contemporaneidad.
Además he tenido la oportunidad de ver en proceso las creaciones de artistas en espacios urbanos en la Latina como es el caso de Manuel Mesa y Mohammed L’Ghacham, en los muros aledaños al Mercado de la Cebada o Pref, en la calle Almendro.

No quiero dejar de lado la ya consolidada feria de JustMad, la feria de arte emergente que hasta la fecha ha sido referente para el Arte Urbano y que este año entre muchos artistas quiero destacar el trabajo de una joven sevillana llamada Inma Fierro con una obra intima y experiencial, cargada de simbología personal, los “desdibujados” en plastilina de Rafael Jimenez que nos ofrecen un escenario para la reflexión sobre el tiempo o Javier Vázquez en la galería Banús representado por Blanca Palazuelos.
Como cierre una mención muy especial a la obra de Rubén Martín de Lucas que nos acerca a la poética del trabajo sobre agricultura natural de Fukoaka referente en el, cada vez mas reconocido, movimiento de la Permacultura.
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Espero que lo disfruteis tanto como yo.
Tono Brotons
Asociación Madrileña y Española de Críticos de Arte (AMCA_AECA)

Phillip Halsman, nos invita a dar el salto!

15 febrero, 2017 Deja un comentario

Celebro poder sentarme a poner sobre estas lineas ideas y emociones recogidas en la experiencia de mis visitas a exposiciones. Unas mas intimas y personales y otras en el magnifico circuito de exposiciones y eventos culturales de Museos, Colecciones y Fundaciones de Madrid.

Me resultará mas cómodo lo contemporáneo, que es con lo que mas me he empapado, sin menoscabo de lo antiguo y en especial lo Renacentista.

Espero poder ayudar a establecer un diálogo con la belleza, con el Arte, con la cultura y en definitiva con el saber. Mi tono ha de ser contemplativo, espontáneo y narrativo en estas experiencias “EnDulceArte” . Deseo que las disfrutéis…

Comenzamos EnDulceArte con Phillipe Halsman, un fotografo. Uno de los mas reconocidos del siglo XX.

No es mi fuerte la fotografía, ni lo que mas me atrae. Debo reconocer que las dos Artes Plásticas por excelencia, imantan mas mi atención. Pero esta es una gran ocasión. Arte y Publicidad! dos de mis grandes pasiones.

Su comienzos en París

Nada mas entrar, me topo con una fotografía de claro valor “docugráfico”, entre las que me sorprende una foto de los años 30 en lo que parece ser un zoológico. Que vehículo tan mágico el de la fotografía para el acercamiento al recuerdo y, en aquellos tiempos y para muchos, a lo desconocido.

París es escenario de los primeros trabajos fotográficos, de este ingeniero de Riga y dueño de patentes fotográficas propias, para revistas y para su intimidad narrativa. En ella se adivina el momento, hasta pude sentir que el retrato que tiene titulado “Un hombre con pipa”, al comienzo de la exposición, me empieza a desentrañar su acercamiento al surrealismo en su origen contemporáneo con las figuras de Magritte o André Bretón en la ciudad de la luz. Su relación de amistad-admiración por la figura de Dalí, nutre un buen cierre de esta exposición en una fotografías en las que se reafirma la incesante carrera de investigación fotográfica que está presente de principio a fin de la muestra.

Un momento histórico narrado a través de sus retratos

Impresionantes retratos los realizados en una época en la que simultanea su “escarceo” en el mundo de la publicidad y que se aprecia en sus fotografías “recompuestas” de instantaneas en nuevos procesos de laboratorio y tratamientos manuales. Halsman es ya un afamado publicista de portadas de gran tirada.

De sus retratos y bien especial, el rey de jazz, Louis Amstrong, cenital, con tu trompeta al objetivo de forma “aberrada”, (os dejo enlace a la foto) o esa otra de Sammy Davis, Jr..

Unas cuantas instantáneas y posados pin-up de Norma Jeane me transportan a las seductoras postales francesas de los años 20 y a una segunda guerra mundial en la que la industria armamentista hace un uso inteligente del recurso de estas mujeres de picante seducción, en el chasis de aviones y vehículos militares, para alegrar la cotidianeidad de las tropas dando lugar al movimiento artístico denominado “Nose Art”, del que también se nutrirá la Publicidad de el comienzo de esta sociedad consumista que llega hasta nuestro piés.

“Jumpology”, un cambio de mentalidad

Me hace vibrar el momento, Jazz, publicidad, cine, arte, en época de postguerra en la que Halsman hace una gran aportación con su serie de famosos saltando en su serie “Jumpology”. Se me antoja imaginar el gran poder que estas imágenes experimentales, del salto, de la alegría, de la ilusión en esa llamada del artista al descubrimiento de “otro yo”, tendrían sobre una sociedad tan castigada por la crisis de postguerra y la vigencia diferida de ese mensaje a los momentos que nos toca vivir. Brillantemente acertado y creativo este letón, que ya fuese oportunamente protegido a finales de los años 20 por la intelectualidad de Freud, Einstein y Mann!

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Me encantó dar un salto e ir a verla.

Puedes visitarla en Caixa Forum en Madrid, hasta el 26 de marzo. Entrada 4 Euros y gratuito a menores de 16. Un buen plan para con nuestros hijos, sin duda.

Categorías:Arte, Exposición, Fotografía

Arte desde el proceso creador.

10 noviembre, 2016 Deja un comentario

Isabel de la O nos acerca al proceso “per sé” de la creación a través de una obra en la que la realización se nutre de la experimentalidad y la expresión sin límites.

Wandeando es el título de su obra, (Wandering def, deambulando, transitando, divagando sin rumbo fijo), aterrizando en el lienzo, recreándose en los procesos, en el devenir, a veces sorpresivo, de la alquimia. Los lienzos y soportes escogidos recrean la ensoñación de la artista en el propio proceso experimental. Las formas que configuran sus composiciones se presentan versátiles y contrastadas, verticalidad en contraste con la horizontalidad, composiciones en las áreas que la artista incorpora con sutil intencionalidad un universo de materiales, papeles de seda, cartulinas, textiles con estampaciones simplistas y minimalistas, texturas de hilos entrelazados…dispuestos con criterio poético y enfatizados con formas perimetrales realizadas a base de resinas cromatizadas, aplicadas con sensibilidad y expresión personal.
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Esta artista madrileña es doctorada con premio extraordinario en Bellas Artes por la Complutense de Madrid. Actualmente es Profesora Titular de Técnicas y Procedimientos Pictóricos en la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Madrid. Un meritorio que responde a su carácter investigador enfocado en las técnicas y procesos artísticos antiguos y contemporáneos. Esta intensa y constante labor ha cristalizado una patente de invención y varias publicaciones.
El ojo de esta artista tiene gran personalidad. Su visión, la que plasma en sus lienzos, en una primera aproximación me recordó a esa visión tan personal que tiene uno de los artistas mas importantes de nuestro panorama actual, Luis Gordillo. Mas allá de la ética y la estética de las propuestas plásticas de esta artista, Isabel nos invita a una observación delicada e introspectiva.
Sus obras de mediano formato, 20×20 cms, invitan al expectador a crear sus propias composiciones combinando a base de múltiples soluciones de  de 1+1, 2×2…adaptables a cualquier espacio,  a capricho.
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En esta exposición podemos encontrar, junto a sus obras murales, una exquisita selección de pequeñas esculturas realizadas a base de resinas, alambre, objetos encontrados y fibra de vidrios así como una gran escultura “totemica” con marcado aire tribal, de mas de dos metros de altura, que representa una figura femenina, como una guerrera provista de arma y escudo de la que cuelgan singulares abalorios que reafirman su feminidad.
El lugar para disfrutar de esta obra, La Factoría de Papel, la sede de una asociación impulsada por el taller que dirige Manolo Gordillo junto a un grupo de artistas, coleccionistas y editores para difundir la edición de arte y abrir una nueva vía a los artistas para la producción y comercialización de obra gráfica. Entre el elenco de artistas podemos encontrar a Ana Juan, Fernando Bellver, Pep Carrió o Eduado Arroyo.
La exposición podrá ser visitada hasta el próximo 3 de Diciembre en Buenavista 8 en Madrid.
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En lo cuántico, Victoria Lozano.

Sea considerado esto como el relato de una experiencia desde el lugar del observador y lo observado.

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The Malone Studio nos propone una muestra con visión y misión.

La visión responde al motivo, La luz, la energía, la vibración y, la llamada a una nueva dimensión, la Conciencia, que bien es su misión.

Trazas futuristas, con la vibración de los cuadros de Boccionni y una intención Constructivista en la que el eje está puesto en el orden universal, mas allá de los engranajes de la sorprendente mecanización de primeros del siglo pasado momento en el que este movimiento tiene “lugar”.

Sobre lo relativo del espacio y del tiempo de los postulados contemporaneos y cuánticos. En nuestro reloj, un siglo de diferencia para reclamar la atención sobre lo esencial. Sobre el poder de nuestro yo, de nuestros pensamientos, de nuestros actos en un escenario que clama Paz, y Amor.

La llamada de Victoria bien se me antoja que va por ahí. Sus obras son caminos de luz, su visualización, un ejercicio para el espejo con nuestro yo mas elevado. Un arte de_mente, de  liberación, de autoconocimiento, de introspección. Sus tratamientos en clave geométrica invitan a una inmersión en una nueva realidad como si de una clave cubista se tratase.

Técnicamente  concienzuda en su elaboración y versátil en sus registros pictóricos de intenso automatismo y mas aún en la tensión repetitiva de sus movimientos de muñeca en el grafito. Una sorprendente y asequible relación obra-precio para esta nueva propuesta de Malone .

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Apresurense…

Tono Brotons (AMCA-AECA) y sobre todo un espectador como ustedes…

 

Categorías:Uncategorized

“La señorita Pinckelton y el rescate de los ruideros” por Tinte.

El pasado Miércoles, asistí a un evento, de carácter benéfico, promovido por la Asociación SonÁngeles por la discapacidad severa. Una fantástica ponencia de la Coach Raquel García Amador titulada “Claves para una actitud mental positiva”. Creer en el poder de la sonrisa, nuestra postura y talante ante la vida, el valor de la meditación y la respiración consciente, la necesidad de soñar a lo grande y la pasión que debemos poner en nuestros sueños y la importancia del recuerdo, fueron algunas de las actitudes que, mas allá de ser tópicos, la conferenciante nos recomendó tener presentes a la hora de planificar y disfrutar de nuestra existencia.

El escenario del evento, la imponente Galería The Malone Studio, en la calle Pelayo, hizo coincidir la convocatoria, con singular y mágica sintonía, con la exposición titulada “La señorita Pinckelton y el rescate de los ruideros”.

La obra que no me pasó desapercibida. Unos cuadros que a primera vista presentan, con cierto carácter ilustrativo, con un aire un poco naíf y sin excesiva pretensión técnica, unas escenas en la que la protagonista, una joven sin rostro definido que bién podría recordar a una Alicia en el país de las maravillas vestida por la mismísima Agata Ruiz de la Prada, se desenvuelve en un mundo etéreo, onírico e iconográfico. Mis prejuicios me llevaron al dictamen de que la obra era una ejecución de mano femenina y para mi sorpresa la obra lleva la firma de Tinte, Juan Antonio Tinte, artista polifacético, profesor de Bellas Artes en la Complutense y estudioso en arte Antiguo.

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El trabajo artístico invita a una mirada intima, detenida y reflexiva…En el proceso comienzo a adivinar un trabajo técnico mas depurado de lo que al primer instante podía percibir y una arquitectura iconográfica cargada de simbolismo en la que se vislumbran vasijas de estilo greco-romanas coronadas por elementos herbóreos, formas levitantes que recuerdan la gráfica simple de un corazón o de pequeñas ínsulas flotantes en un espacio etéreo en el que los fondos azules se presentan con estampados indiana compuestos por esferidades, labios, alas angelicales, medusas…

Llega el momento de conocer al artista y en la conversación desgrano el simbolismo y la intencionalidad de una obra que recrea el culto y las veleidades de este personaje, la señorita Pinckelton, que para mi sorpresa, responde al Alter Ego del artista. Me confiesa que la elección de la figura femenina responde a su visión de que la feminidad sintetiza mejor, desde su punto de vista, la esencia del ser humano.

Para Juan Antonio el lenguaje corporal de esta fémina ofrece una descriptiva que va mas allá de la retratística. Pinckelton es una mujer brava que, con un marcado carácter analítico, observa y se observa en su realidad mistérica de la vida. Una joven que invierte su frivolidad y veleidad en su relación con su entorno para alcanzar una soledad dedicada al culto de lo trascendente, de lo esencial, de lo natural. Se fascina con las cosas sencillas y prosaicas que naturalizan lo mas sagrado. “lo trascendente no tiene forma ni dueño, todos somos iguales en nuestra esencia desde la pira bautismal”- declara Tinte.

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Se evidencia en el uso del color, en sus iconos y recursos la remisión al mundo de la ternura, de lo “platónico”, del AMOR como algo sublime. Sus catervas son cabeceras de catedrales invertidas de las que emanan elementos florales y naturales. Un “Grial” sagrado que enraíza con nuestra propia naturaleza divina y terrenal.  Los formatos versátiles sobre soportes rígidos en DM tratados con maestría con bol de arcilla multicapa y base de aglutinantes suavemente abrasados con piedra de ágata y sus lienzos, previo a ser montados en el bastidor, con tratamiento de dos capas monocromáticas lijadas y preparadas para ser escenario de su poesía. La magia esta servida en la obra de este artista de gran personalidad y sensibilidad ante el mundo de la discapacidad severa. El 25% de las ventas irán destinadas a la Asociación sonÁngeles. La muestra podrá ser visitada hasta finales de Junio.

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Tono Brotons
Miembro de las Asociaciónes Madrileña y Española de Criticos de Arte